面白いことを発見してそれを面白がる

チェロの修行 (5) - 毎日3時間は必要！

年の瀬も迫った先日の日曜日、仕事はある程度落ち着いており、合奏の練習もなく、夫と子供たちは出かけ、溜まった家事や雑用は年末休暇を当てに先延ばし...。本当に珍しく、まとまった時間が取れた。

ゆっくり時間をかけてチューニングし、サポージニコフ（初歩の教本）からいくつか取り出して、左手のポジションと指の間隔、右手の弓の返し・移弦等、基本の「き」を覚醒させる。校閲の井上頼豊先生が脚注で仰ってることは奥が深いと、改めて感じ入る。その後スケールを軽く弾いてから、今持っている曲を、細かく、じっくりレヴューする。１～２小節弾いては立ち戻り、右手と左手を分けてさらってみる。うまくいってない部分は、問題点と原因を分析しながら、何度も何度も、改善が見えるまで繰り返す。こうしてさらうと、練習の甲斐があるというもの。少しずつ調子がよくなってくる。

....はっと気がついて時計を見ると、これだけで二時間半経っていた。そろそろ食事の支度をしなくちゃ。あー、でもまだエチュードやってない。曲もとても最後まで行ってない。

やっぱり、向上するためには、このような練習を毎日する必要がある。2時間半では足りない。どんなに最低でも3時間は必要だ。本当は5～6時間欲しい。そうでなくては、「ただ弾いている」という状況から脱却できない。

しかし今は、平日は朝10分の時間を捻出するのが精一杯だし、週末は合奏の練習があったり、子供関連の用事があったり、仕事を持ち帰っていたり、と、時間が絶対的に不足している！！これでも結構ぎりぎりの生活で、これ以上睡眠時間を削ることはできない。どうやったら時間を作れるのだろうか。仕事の方も、これからますます基本的な価値が問われる時代に突入する。当然手を抜く訳にはいかない。どうしたらよいのだ？！

3時間を捻出するのは今すぐは無理としても、これを機にさらい方を変えよう。譜読みや曲の構成等のレヴューは通勤時間等に行い、楽器を触われる時間は、わずかな時間であっても、徹底的に、基礎に集中することにする。

巨匠の校訂には要注意?!

　来月2月17日のおさらい会で、ハイドンのC-durコンチェルトを弾くことになった。（一応希望の曲を訊かれたので、ブラームスのOp.78（「雨の歌」...作曲者自ら編曲したと言われるチェロ版)と言ったら、やはりけんもほろろに一蹴された。バロック、古典を一通りしっかり弾いてからにしろ、ということだ。）しかしそれでも、ハイドンのチェロコンチェルトは素晴らしく奥が深い。相当なテクニックも要求されるので、それをどの程度きちんと正確に弾けるか。そしてその上で、光を放つような音色が出せるか。

　楽譜は、メジャーなのはHenleの原典版とInternational版だと思うが、Internationa版にも、Milos Sadlo校訂のものと、Milos Sadloを基にしたRostropovich校訂版の2つがあり、私が持っているのはRostropovich版である。ロストロ先生のフィンガリングとボウイングは、「おおお、そうくるのか」というのが非常に多い。弓先での逆弓。低いポジションと高いポジションとのシフトの多用。親指のポジションでも、並行移動ではなく、なるべく低いポジションから使わせようとするし、フレーズ内でのポジション移動も辞さない。極めつけは、三楽章の206-207小節でのA線でGを弾きながらD線でメロディを弾くところ、何とA線のアーティキュレーションとD線のアーティキュレーションが違う。これはいくらなんでも不可能だ。でも気持はわかる。違うパートなのだから。

　でもせっかくのロストロ先生の指示なので、できるだけそれでさらって持っていったら、師匠に「こんなのロストロだからできる弓さばき・フィンガリングで、普通は無理。サマにならない。」とあっさり言われて、結局、オーソドックスなMilos Sadlo版に殆ど戻された。えーん。せっかく正月休み返上でさらったのに。弾きにくいかなぁ、と思いながらも、一旦はこれで暗譜してしまったので、これから修正するのが大変。しくしくしく。

　という訳で、巨匠による校訂（ボウイング・フィンガリング）には要注意だ。巨匠だから、という訳ではないが、後進を育てるような目線で校訂する場合もあれば、「自分だったらこう弾く。どうだすごいだろう。」という感じで校訂する場合もあるのだろう。今回のロストロ版ハイドンコンチェルトは、後者に近いかもしれない。

　あとは、カデンツァをどうするか。ロストロ先生版も、カデンツァに関しては、Milos Sadlo版をそのまま使っている。これもオーソドックスでよいのだが、以前聴いたL.Kantaのカデンツァが非常に印象深く残っている。現代的（というかジャズ的）な和声を使っていて、古典の音律に戻るときに違和感を感じるくらいなのだが、これを部分的に拝借してアレンジしようかと思っている。（ところで、他人のカデンツァを耳コピ、というのは、厳密には著作権侵害になるのだろうか。公演は当然非営利なので問題にはならない筈であるが、どうしよう。）

　本番まで一か月を切ってしまい、またその間出張もあり、さらう時間の確保が困難だが、何とか頑張ってみるつもり。決してなんとなく弾けた気になるのではなく、細部に渡って基本に忠実に、しっかり弾くことを目標にする。

チェロの修行(4) - 正念場

　今の先生についてもう6-7年になるだろうか。下の子がまだ赤ん坊の頃だ。子供が生まれてからは、とにかくチェロを弾く余裕なんて全くなくて、オーケストラも、室内楽も、一切やめていた。一年に一度もチェロケースを開けない、なんて時もあった。これでもう弾かなくなってしまうのか、と思い始めていた頃、いや細々とでもよいから続けた方がよい、と一念発起して師事した。どうせなら一からやり直すつもりで。

　レッスンのペースは、一か月に一回を何とか維持するのが精一杯であるが、基礎を叩き直すのにはよい機会だ。ソロで弾くのは、裸の自分を見せるのと一緒で、一切ごまかしがきかない。テクニックはおろか、何を考えているかまでわかってしまう。ほんとうに細々とではあるが、継続は力なり、と思ってやってきた。

　しかし、先日とうとう師匠と衝突してしまった。私には弾きたい曲が山ほどある。特に、ロマン派以降の、内面の表現の要求が高まって、それまでの予定調和や秩序を破らざるを得ない、といったような切ない音楽にとても惹かれる。ブラームス、シューマン、エルガー、ドホナーニ、リゲティ...。それに、フランス物やロシア物もやりたい。ああ、それなのに、それなのに、やりたい曲は決してやらせて貰えない。「コンチェルトならまずバロック、古典をこなしていないとだめ。全部とは言わないが、エチュードコンチェルトもやっておかないといけない。その次にサンサーンスとラロ。物事には順番というものがある。」

　平素のレッスンでも、一つのエチュードを終えるのに5、6回かかったりするので、一か月に一回のペースだと、一年にエチュードが2曲しか進まない計算だ。弓先で音がやせない、とか、移弦やシフティングで音が切れない、とか、指を軽妙に使った弓のコントロール、とか、ハイポジションの正確さとか、そういう細かいことを徹底的にやらないといけないのだが、現在取組んでいるエチュードは、和声や構成も、要求されるテクニックも一見非常にシンプルなので、一回さらってしまうと、どうも気が乗らない。ついついいい加減になってその後の深堀をしなくなる。それでいつまでたっても先に進まない。

　これでは、生きているうちに、弾きたい曲は弾けないではないか。もっとモチヴェーションを駆り立てるようなエチュードや曲をやらせて戴けないものだろうか。弾きたい曲が弾けなくてチェロを弾く意味があるのだろうか。今のままではさらう意欲が湧かない。さらう意欲ががなければ進歩もない。大体さらう時間を捻出するのだってすごい大変なのだ。...今まで溜まっていたものも何だかこみあげてきてしまって、もう恥も外聞もなく、半泣きで訴えた。

　「でもあなたはチェロの勉強をしに来ているんでしょう。曲の選り好みをする立場ではない。曲の選り好みをするなんて、それではアマチュアではないか。」

　....いや、私アマチュアなんですけれども...、ってそういうことではない。確かに、勉強する、ということに妥協はない。プロもアマチュアもなく、求道であり修行である。そして先生は、私のような者にでも、一切妥協せずに対峙して下さっている。私はチェロの修行などといいながらも、実は修行ではなく道楽をしようとしていたのか。高みを目指すのであれば、これまでの甘い考え方を立て直さなくてはならない。

　正直言って苦しい。でもこれが現実だ。

　いつか必ず、シューマンのコンチェルトを立派に弾けるようになることを目標に、基礎を積み重ねて行こう。次に貰える曲はたぶんエチュードコンチェルト、またはハイドンの一番だろうか。いずれにせよ、心を入れ替えて頑張ってみる。

習慣からの脱却

　この頃、時々公開マスタークラスを聴講する。2005年10月にはジャン=ギアン ケラス、2006年11月にスティーヴン イッサーリス、そして2007年10月には、ルイス クラレットによるマスタークラスを聴講する機会を得た。

　公開レッスン自体が自分自身の演奏に直接役立つか、というと、必ずしもそうではない。レッスンは、師の個性と受け手の個性、およびそれぞれのその時の状態に依存する、極めてlocalかつprivateなもの、という側面がある。芸事は、守→破→離→守...をサイクリックに繰り返しながら高みに登って行くので、個人がその時にどのフェーズにいるかによって、指摘することのヴェクトルが全く異なるということもあり得る。それに、守るべき基本はあれど、唯一絶対の奏法というものはない。

　だから、一般的には、個々の指導やコメントは鵜呑みにせず、十分斟酌する必要がある。しかし、しかし、である。名チェリストというのは（チェリストだけではないかもしれないけれど）、何という哲学者・求道者だろうかと心底思う。時々はっとするような金言が飛び出す。

　ルイス クラレットは、「習慣から脱却(move habit)することが必要。その習慣の良し悪しに関わらず」と言った。どんなにきれいな音が出せたとしても、それが習慣化してしまってはいけない、というのだ。勿論、きれいな音を出せることはよいのだが、それが「習慣」となると、いちいち意識しない、考えない、ということになり得る。この、「意識しない」、「考えない」で音を出すことを戒めているのだ。常に、その時の状況や、新しい考え方、新しい発見を取り入れ、数ある選択肢の中から、意識して、その音の出し方を選び取った上で、音を出す。これは結構厳しい要求である。でも、音楽だけでなく、様々なことにあてはまるのではないか。

　イッサーリスは、幾度となく「チェロを弾かないで（don't play cello）」と言った。チェロを弾くこと自体が目的になってしまってはならない、ということだ。何かを表現する、流れをつくる、響きをつくる、ということのために、チェロという楽器を使っているに過ぎない。楽器は媒体であり、弓に魂を込める。

　そして、ジャン=ギアン ケラス（何を隠そう大ファンである。この時はチェロケースにサインして貰い、しばらくボーッとしてました）は、「（音を）外してしまう自分も受け入れよう」と言った。難所のパッセージがなかなか上手く行かない時、外す→情けない→自分を責める→身体が萎縮し固くなる...、というスパイラルに陥りがちである。そんなとき、何が悪いかを考えるのでもなく、反省するのでもなく、失敗を排除しようとするのではなく、まずは「失敗してしまう自分を受け入れよう」、というのだ。ああ、何という包摂。ケラスの奏でるチェロは、飾らず、気負わず、本当に自然体の音がする。彼の哲学の現れなのだろう。

著作権に関する追記

　いろいろな文献を読み、著作権に関することはとてつも無く複雑で難しいことがわかってきた。私が先日書いた思いは今も変わってはいないが、それは自分の主観的な問題に端を発していて、著作権問題のほんの表層の、さらにそのほんの一角しか捉えていない、ということを強く自覚したので、追記。

　著作権法では、著作物を「思想又は感情を創作的に表現したもの」と定義している。細かい突っ込みをすれば、作品には、諧謔のために作ったものもあるだろうし、純粋に商業的に作ったものもあるだろう。必ずしも、思想もしくは感情の発露とは限らないかもしれない。ジャンルも、音楽に限ってもクラシック、ポップス、演歌、ゲーム音楽等多岐にわたる。これらの異なるジャンルや異なる性質を全てひっくるめて「著作物」としして一律に扱うのは、どうにも無理があるのではないかと思う。しかし、では、分けられるのか、（分けられとして）分ければよいのか、と聞かれると、答えは無い。

　芸術的著作物は個人的・主観的なもので、経済における「市場」、学問における「理論・実証」、技術・工学における「効用」のような、明確な指標がない。ソフトウェアは少し近いと思ったが、やはり目的も異なる。そのため、作品やその権利を取り扱うのは相当に難しいし、立場や見方によって大きく意見が分かれるのは当然だろう。

　同時に、これは構造問題でもある。考え方の基礎になっているのはベルヌ条約なのだろうが、その上に、現在までに脈々と築かれた業界構造、産業構造、文化がある。レコード会社は、単に作品を流通させるだけではなく、新人を発掘し、投資（販促活動など）をし、育てる、という役割もあるのだろう。そういった構造が、ディジタル技術の進化と、個人個人の意識の変化で、変わるかもしれないし、変わらないかもしれない、というところだろうか。

　せっかく少し勉強するきっかけを得たので、関連する規範、法律、そして現在の構造の良いところ、悪いところを、自分の利害とか好悪感情をできるだけ抑えて、吟味してみたいと思う。今回、著作権に関することを調べるために、インターネットを検索してみたら、考えさせられる資料が非常に多数見つかった一方、中には、中傷の類や、事実誤認かもしれない憶測に基づく発言もあった。これはよくない。「インターネットでクリエイティヴ・コモンズとか言っているが、結局は、責任の無い言いっ放しではないか」、と言われたら反論できないではないか。自戒を込めて。

Macとの再会(8) - 著作権法を考える

Startmac #8

　という訳で、改めて著作権法というものを考えてみる。

　まず、私は著作権法を遵守することに何の依存はない。法律を守るのは当然だし、それ以上に、音楽で生計を立てている人に対して報いる一つの方法として著作権法があるのであれば、積極的に擁護したいと思っている。（話が少し逸れるが、純粋に経済的投資効率を考えると、音楽ほど投資効率の悪いものはない。幼少からのレッスン費、楽器、楽譜にかかる費用、教育費...、たゆまない研鑽に費やす時間。それでも演奏家としてひとり立ちできるのはほんの一握りである。しかし演奏家はまだましか。正門先生がおっしゃるには「（評価される年代は）ピアノ・ヴァイオリン：10-20代、声楽：30-40代、指揮者：50-60代、作曲家：死んだ後。」....。勿論、音楽・芸術は、経済原理でどうにかなる領域ではないので、経済的投資効率を考えるのは間違っているが、貴族によるパトロン制のようなものが無い現代、何らかの経済保障は必要であろう。）

　しかし、今回著作権法、およびそれに関する資料を読んで、何と言うか少し違和感を感じざるを得なかった。

　著作権法第一条（目的）には次のように書かれている。「この法律は、著作物並びに実演、レコード、放送及び有線放送に関し著作者の権利及びこれに隣接する権利を定め、これらの文化的所産の公正な利用に留意しつつ、著作者等の権利の保護を図り、もつて文化の発展に寄与することを目的とする。 」

　"隣接する"権利って何だろう。著作者"等"って何だ。

　「著作隣接権」については、著作権法第四章にて記述されている。隣接権を持つものとして挙げられているのは、「実演家」、「レコード製作者」、「放送事業者」、「有線放送事業者」である。著作権法や、関連資料には、「権利者」という言葉がよく出てくるが、それは、この、著作者、演奏者、そして流通・メディア事業者を全部一緒くたにして、「権利者」と言っているのだ。そして「権利者の利益を損なわないように」、というのが法規制の大義名分になる。これは少しおかしくないだろうか。

　著作者、演奏家の権利を尊重するのは当然だと私は思うが、流通・メディア事業者を混同させるのは、次の点で問題だと思う。

　１．現在著作権法に指定されている流通・メディア事業者は、「レコード製作者」、「放送事業者」、「有線放送事業者」という既存メディアである。これは、著作権法が、インターネットのような新規参入メディアから既存メディアを守るために使われることにならないか。

　２．著作者、演奏家と、流通・メディア事業者の利益が必ずしも一致するとは限らない。既に既存メディアで著名となった著作者、演奏家はよいのかもしれないが、そうでない新進の作曲家、演奏家は、新たなメディアを使って、視聴者とダイレクトにコミュニケーションを取りたいかもしれないし、全く新しい形でのプロモーションを図りたいかもしれない。また、ネットワークを使ったコラボレーションにより、一人ではできないような規模の大きいことができるかもしれない。（オープンソフトウェアを多数の人間の才知でよりよいものにして行くように。）しかし、現在の著作権法はこのような可能性も阻害する。

　勿論、不法なコピーや、不法なネットワークへの流出を、禁止・コントロールする必要はあると思う。しかし、既存メディア事業者の利益と、芸術家の権利保護とを、全く同じものとして混同させるのは筋が通らない。重なる部分は皆無とは言わないが、それぞれ話を分けるべきではないだろうか。

　

　

Macとの再会(7) - 著作権！

Startmac #7

　先日のエントリーの続き。自分たちの弦楽合奏演奏会の記録（動画)を、.Mac Webギャラリーにアップロードした。なかなか素敵。そこで、まずはメンバーに知らせようと、得意気にメールを出した。そうしたら、程なくして、主宰の正門先生から電話がかかってきた。

　通常、大抵の連絡はメールで済ませるので、電話なんて珍しい。何事だろう、と出てみると、「著作権法に抵触する可能性があるので、至急公開を取りやめるように」とのこと。

　前回のプログラムの一つとしてJ.ラターの「弦楽のための組曲」を取り上げたが、ラターは現在存命である。また、メインのバルトークは、作曲家個人の著作権は切れているが、楽譜の出版社が版権を持っているとのこと。さらに、その前の演奏会では、ソリストを招聘してコンチェルトを演奏しているが、それも「著作隣接権」に抵触する可能性がある、ということだ。これらを演奏会で取り上げること自体に関しては、正門先生が細心の注意を払い、その都度法的な検討、対処をして下さっているが（先生は作曲家かつ教育者でいらっしゃるので、日々の仕事が、常に何らかの形で著作権にかかわっている）、その映像を公開する、という行為は、それとは全く別物である、ということだ。

　私も職業柄、技術論文やソフトウェアなどに関する知的所有権については注意を払っているのに、音楽の著作権について、全く意識が足りなかったことを、ただただ恥入るばかりであった。

　一方、技術の世界には、パブリックドメインという概念がある。公開することにより、皆でよいものにしていこう、という考え方である。開発者もユーザも、それぞれの立場で高い意識を持つ必要があるが、この考え方によって、大きく革新を遂げた領域があることは間違いない。これが芸術の分野でMakeするかどうかはわからないけれども、少なくとも、新しいメディアの可能性を閉ざさないでおきたい。また、一言で「公開する」といっても、「広く遍く」のBroadcast的公開と、今回のような関係者とその知人程度へのささやかな公開とは、扱いを変えるべきと思うが、技術方式が一緒であれば区別できない、ということになろうか。

　いずれにせよ、著作権の問題は、市場原理ではカヴァーできない文化的価値をどう考えるか、という、結構重い話である。もう少しよく考えてみようと思う。

5月の本番

　あっという間にもう6月。時が経つのがこんなに早いなんて...。

　この5月は転職騒動で非常にばたばたしたが、演奏面でも大きなマイルストーンがあった。

　1) 湘南在住演奏家による室内楽演奏会（2007年5月4日　@二宮ラディアン）

　　毎年、音大生、ヴァイオリンの先生等に混じって演奏させて戴いている。今回は、多様な表現の引き出しを作ることを目的に、次の２つの小曲（ピアノとのデュオ。ピアノは井上万里さん）を演奏した。

　　　・A.Sonninen   Juvenalia　Op.65b 
　　　　（ソンニネン　ユヴェナリア（青春） Op.65b）

　　　・D.Popper　Chanson Villageois  Op.62-2
　　　　（ポッパー　村の歌  Op.62-2）

　ソンニネンは、舘野泉先生から戴いたCDに入っていたもの。途中主人公が苦悩する場面もあれど、全体に瑞々しい。

　ポッパーは、結構細かいテクニックが必要だが瀟洒な曲。

　今回特に気づいた反省点としては、ヴィブラートの使い分けが十分でない、ということ。出したい音に応じて、Frequency, Velocity, Amplitudeをもっと微妙に使い分けるようにしたい。

　2) Cellissimo Bravissimo !! （2007年5月26日　@磯子公会堂）

　こちらは、12人のチェリストによるチェロだけのアンサンブル。今回縁あって、初めて参加させて戴いた。同じ楽器だけのアンサンブルというのは、実は聴かせるのは結構難しい。チェロはそれでも音域が広く、奏者の協調性もあるので（本当か？）、チェリストが集まると、アンサンブルがよく行われる。しかし、きちんと曲を仕上げるのは至難の業だ。ハイポジションでは朗々と歌いにくいし、音程が少しでもずれるとゴーゴーとすごいハウリングになる。

　でもここのメンバーは皆ただものではない。仕事もてきぱきとよくでき、音楽にも真摯な、秘密結社のようだ。チェロアンサンブルはやはりレパートリー不足になりがちだが、自ら編曲を手がける人も複数いる。また、主催の佐久間豊春先生は、弾き方のスケールがとても大きくて、何と言うか、魂と音楽が直結しているような感じだ。息遣い、身体の使い方、音の出し方、歌い方。テクニックだけではない何かが確かにある。プロとアマチュアを二分するのは全く好きではないが、「やっぱりプロは違う」などと言う安直なセリフが思わず口に出そうになる。

　チェロアンサンブルは、他の楽器の力を借りず歌い、音楽に仕上げる、という点で、ソロを弾くのに近い。楽しかったし、大変勉強になった。

　

バルトーク！

　das（平塚弦楽ゾリステン）の第13回定期の本番が終わった。ここでの演奏会はいつも印象深い。今回も、バルトークの「弦楽のためのディヴェルティメント」を、指揮者なしで、アンサンブルの乱れなく(!!)、一定の音楽的水準を達成できたことは大きな感動だ。個人的には悔いが残る点が多々あるものの（一楽章の長いフレーズ：盛り上がりきれず、羽ばたききれず。一楽章の五度重音の旋律：歌いたいがためにちょっと遅れ気味。三楽章の最後の音階：出始めのテンポを誤り、途中から修正しようとして中途半端になった....）、こんな曲のソロを弾かせて戴けるなんて、チェリスト冥利に尽きる。演奏を終えたときはほっとしたものの、もうこれでこの曲を弾かなくなるのか、と、喪失感でいっぱいになった。

　それにしても、バルトークってすごい。

● self-similarなモザイクパズル

　指揮者がいないので、各演奏者の息と弓と音が頼り。他のパートの旋律を暗譜しておかなくてはならない。しかしこれが難しい。（いっそスコアを見ながら演奏しようかと思ったが、譜めくりを考えると現実的ではない。）　いや、通常私は暗譜は得意で、大抵の旋律は一回聞けば覚える。しかし、この曲の場合なぜか暗譜しにくいのだ。

　一楽章の冒頭、1st Violinによる第一主題（これが覚えられなくてどうする）からラビリンスだ。「ファ ミ レ♭ミレドーー」　ここまではよい。これをどう受けるか。1) 「シドー」 2) 「シドレドー」 3) 「シドレ♭ミファドー」　... どれが来てもよいように思える。（正解は、1), 3), 2)の順。しかしフレーズはまだまだ続く...。）この他にも、リズムの変化形（「シドレドー」と「シドーレドー」）、音の入れ替え（「ラファソドラ」と「ラソドファラ｣）、反行形（「ファソラ」と「ファミレ」、「＃ドレミレド」と「＃ドシラシド」）などがあり、フレーズは、それらパーツを組み合わせたパズルのように構成される。また、各パートが微妙にパーツを使い分けるので（例えば、あるパートが"タター"というリズムのときに、他のパートが"タータ"というリズム）、直感的には、聴いていると訳がわからなくなる。が、しかし、聴かなければ合わせられない。

　フレーズも、繰り返し同じ調や違う調で出てくるが、それぞれ微妙に音形や長さ、小節数が異なる。各パーツが恣意的に結合され、フレーズの反行形も多用される。（「ファ ミ レ♭ミレドーー」に対する「ファ ♭ソ ♭ラ ソラ♭シー」、は完全な鏡であるが、下向４度の反転は、上向４度ではなく上向５度（＝下向４度の１オクターヴ上）だったりする。）

● 遠隔調

　自分のパートの音は譜面を見ればよいので必ずしも暗譜する必要は無いが:)、暗譜以前に、直感的にソルフェージュできない、というところがある。日常的な音程感が裏切られるのだ。一楽章に印象的なtuttiでのトニック和音強奏があるが、E-Durの直後にB-Dur、Es-Durの直後にA-Durと、とてつもない転調をする。また三楽章では、CelloのC-Durと1st ViolinのGes-Durが、複調で、同時進行する。この、E-Dur/B-Dur, Es-Dur/A-Dur, C-Dur/Ges-Durは、近親調を辿っていくと一番遠いところにある関係で、遠隔調という（と正門先生が教えてくださった）。

　この「遠隔調の複調」、という状態で内声を担当したりすると、まず一発ではソルフェージュできない。しかし、慣れてくると、何とも清冽で澄んだ響きに聴こえてくるのが不思議だ。

　ちなみに、１オクターヴで一周するように円を描くと（半音＝30°）、E-Dur/B-Dur, Es-Dur/A-Dur, C-Dur/Ges-Durは、丁度180°のところに位置する。これも思わぬ発見。

● Divertiment ?!!

　ところでDivertimentって、喜遊曲という訳で合ってますよね？確かに、三楽章のロンドや一楽章の再現部あたり、喜んでいる感じがしなくもないが、ニ楽章なんてまるでカフカの「変身」だし、幾何学的な中にも、情感的、官能的な和声と旋律がちりばめられている。

　スコア(Boosey&Hawkes)の序にあった、バルトークがこの曲を作曲中に妻に書いた手紙がふるっているので、引用してみる。
「Divertimentとは、大雑把にいうと愉快で楽しめる音楽という意味だ。少なくとも、僕に関して言えば、この曲はとても楽しめる。他の人にとってどうかは別だけれどもね。Sacher（この曲の委託主でバーゼル室内オーケストラ指揮者）は、シンプルな曲を所望した。シンプルさは軽さももたらす。そして、実際、この曲は軽いものになった。ただし、一楽章だけは少し気難し気なモチーフを持つ。また二楽章は軽くはない。..」 うーむ、どっちなんですか。:)

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　バルトークの音楽には、黄金分割やフィボナッチ数列が使われていると言われるが、それが具体的にどのように適用されているのか迄はよくわからなかった。でも、確かにフラクタル的であり、何よりもすごくいいのは、「直感裏切られ感」を解決したときの爽快感だ。フラクタル、直感裏切られ感は、実際仕事にも大いに関係あるので、別途書くつもり。

　今回、このメンバーでバルトークが弾けて本当によかった。（バルトークだけでなく、ラターもフェラーリもよかったけれど。）また、根気強くご指導して下さった正門先生にも、深く感謝します。ありがとうございました。

P.S. 正門先生エッセイ

舘野 泉先生

　1月14日のおさらい会に、舘野泉先生がいらしてくださった。師匠の演奏のピアノ伴奏を、舘野先生のお弟子さんであられる平原あゆみさんが務められたからだ。舘野先生は、（ここで書くまでもないが）フィンランドを中心に国際的に活躍されているピアニストで、脳出血のため右半身不随になられるも、左手のピアニストとして再起を遂げられた。舘野先生の音楽はすごい。一音聴いただけで引き込まれる。科学技術の分野においても、「要素還元は重要だが、それだけではだめで、時にはWholisticなアプローチも必要」と感じるが、音楽もまさにそうだ。ある臨界点を超えると、要素還元を超越した地平が現われる。（臨界点にはるかに及ばない私は、ひたすら要素還元して一つ一つ克服するしかないのですけれども。）

　我々のつたない演奏を聴いて戴けただけでも有難く畏れ多いのに、後日師匠のところに小包と手紙が届いた。師匠の演奏を礼賛するとともに、「他に印象に残ったのは...、河野美也（Vc)さんと井上万里さん(Pf)のバッハ。心がこもった演奏でした。」とあり、私たちにご自署入りのCDをプレゼントして下さった。（CDのプレゼントに与ったのは、私たちの他にも、もう一組。)

　たぶんご不自由な右手で書いて下さったサインだ。CDはラウティオとのデュオで、フィンランドのチェロ小品集。これはもう、泣くしかない。号泣。