トップレヴェルの演奏家は奏法を語らない

トップレヴェルの演奏家は、具体的な奏法について語らない。音楽も当然物理的運動であり、例えば弦楽器であれば、音程、弓にかける圧力（重み）、弓のスピード、弾く位置などで音色が決まる。だから、一流の演奏家が、「この曲のこの部分は、このくらいの弓圧で、弓幅は何cmくらい使って、指板寄りを弾く」、とかいうことを語ってくれたらどんなにか参考になるだろう、と思い、機会があるたびに調べていたが、そのような言説に遭遇できたことは一度としてない。最近ではプロの演奏家も音大生も、ブログやSNSで文章を山ほど書いているのに、である。稀に奏法に関する分析的な言説を発見することがあるが、評論家やアマチュアのものが多い。（例外はあると思う。）

演奏家は忙しくてそんな暇はないのか、もしくは分析や言語化が苦手なのだろうか、などと考えたこともあったが、そうではなかった。演奏家は、自分の身体を使って、明示的な教師または内なるイメージに従い、環境との相互作用をしながら、高度な「内部モデル」を獲得してきており、その「内部モデル」により、状況を予測・感知し適切な音を出す。しかも、その内部モデルは小脳にある、ということなので、意識は（そのままでは）関与できない。演奏家が（そのままでは）奏法を言語化できないのは当然である。一方、文章にする・言語化できる、というのは、大脳で理解している、ということであり、逆にそれでは、分析することができても、（そのままでは）演奏をすることはできない。

「内部モデル」は、生体システムの外にある環境モデルを内在化する、という点で、マイケル・ポランニーの「暗黙知」に完全に符合する。ポランニーに拠れば、「知」とは知覚の形成であり、実践的な知識と理論的知識の暗黙的統合である（暗黙的統合とは、「それが何かを特定できないまま統合している」、というゲシュタルト理論に由来する）。小脳の「内部モデル」は、40年余を経て、ポランニーの「暗黙知」を実証したことになるのではないだろうか。

また、認知の形成という点で、「アフォーダンス」理論との相対化もしたくなる。通常生体システムは、探索、試行、練習、努力、といったフィードバック誤差学習の繰り返しにより「内部モデル」を獲得するが、アフォーダンスは、環境の側が、生体による「内部モデル」の獲得をし易くするための特徴を持つ、ということになるだろうか。ポランニーの文脈では、主体の「より高位への志向」「（対象に対する）コミットメント」が必要なのに対し、アフォーダンスは、未熟練な主体に対しても効用があるため、人工物のデザイン（思わず身を預たくなるソファ、思わず押したくなるボタンなど）には有用や概念なのだろう。そういえば、小学校で使われるピアニカという楽器はアフォーダンス度が高いかもしれない。

「トップレヴェルの演奏家はなぜ具体的な奏法について語らないか。」この最初の問いに対して、ポランニーの言葉を引用したいと思う。「包括的存在を構成する個々の諸要素を事細かに吟味すれば、個々の諸要素の意味は拭い取られ、包括的存在についての概念は破壊されてしまう。」（マイケル・ポランニー、高橋勇夫訳、「暗黙知の次元」ちくま学芸文庫）

Comments

[投稿情報: s1061123]

凄く細部を除いて言えば彼等はその日の弦の加減，そしてオーケストラの音圧等を感じながらその日の加減を理解していると思います．弦の材質，またその日の湿度で音程はさることながら音圧という非常に明確な指標足りえるパラメータが顕著に上下するのが楽器の特性なんだと思います．

どうしても音圧というのはコントロールできないものの一つなのではないでしょうか．当日，その指揮者の元で，そのタイミングで出たものが正義である訳ですし．
つまりこれを或る程度簡略化するのならば「与えられた環境下に於いて自分の音を効率的にどう聞かせるか」についての匠というのがやはりプロの演奏家なのかもしれません．

これを更に(失礼とは存じますが)安く言い変えると"KYじゃない"という表現になるのですが(失笑)，それは結局software engineeringの世界でも同様の話が通用する気がして，また趣意深いものを感じませんか？(反語的結語)

[投稿情報: Miya]

s1061123さま、興味深いコメントありがとうございます。もしかしたら同士（エンジニア＋演奏家）でしょうか。

小脳の内部モデルでの演奏イメージと、大脳で感じ取るその時時の状況を統合しながら、演奏しなくては、ですね。